Entri in sala, silenzio, ti siedi, ancora chiacchiere e sorrisi con la persona accanto a te, il Teatro del Canovaccio di Catania, intimo, solo per pochi eletti e che odora di passato, ti fa sentire immediatamente fortunato per avere il privilegio di assistere a qualcosa di speciale e che lascerà il segno nella tua memoria.

Proprio questa sensazione di preludio alla sorpresa, che è quella che contraddistingue ogni buon teatro, si è avvertita durante l’attesa per “Io Sarah. Ultime ore di Sarah Kane”, monologo teatrale con l’adattamento registico di Giovanni Arezzo e Alice Sgroi, con la collaborazione di Gabriella Caltabiano. Lo spettacolo è tratto dal romanzo di Francesca Auteri “Io Sarah. Ultime ore di Sarah Kane”, in cui l’autrice racconta la storia e il suicidio della giovane drammaturga inglese, morta per depressione e solitudine. Protagonista del monologo una bravissima e superlativa Alice Sgroi, che ancora una volta colpisce il pubblico e critica per il suo indiscusso talento e magnetismo. Lo spettacolo è andato in scena 11, 12 e 13 ottobre al Teatro del Canovaccio di Catania e sarà ripetuto al Teatro dei 3 Mestieri Di Messina il 18 e 19 ottobre. “Sara Kane” ha inaugurato la rassegna “Olodrammi dell’amore e di altre solitudini” di MezzAria Teatro.

Quei sorrisi iniziali con lo spettatore seduto accanto a te improvvisamente spariscono, sin dalle prime battute si è immersi nel mondo mortuario della protagonista. Sarah si impicca con i lacci delle sue scarpe, Sarah si ritrova nell’aldilà. Un monologo post mortem in cui la ragazza ci racconta la sua vita, la sua morte e i motivi che l’hanno porta al suicidio.

Depressione, sofferenza, solitudine, delusione, incomunicabilità, mancanza d’amore, incomprensione e bisogno di essere capita e amata. Una lista, un vortice di parole che freddano il pubblico, lo immobilizzano alla poltrona, provocando quasi un senso di claustrofobia e soffocamento.
Un senso di pesantezza, di schiacciamento e di follia pervadono l’intera ora e mezza in cui Alice Sgroi è Sarah Kane. Come una cinepresa immobile sui movimenti di un’attrice per tutta la durata di un film, così l’occhio e l’attenzione dello spettatore è concentrato sulle corse, i salti, le cadute, la mimica, la gestualità e le azioni della Sgroi.

Una recitazione e performance magnetica, coinvolgente, drammaticamente cruda e diretta. Alice Sgroi è superba, un corpo che diventa un fascio di nervi, una tensione continua verso l’esternazione di un’anima in pena e dilaniata. Un corpo che diventa l’espressione e prolungamento di una vita ma soprattutto di una morte tormentata.
Non esistono giri di parole e via di fuga alla disperazione di Sarah. Fa i conti con un aldilà che le appare ancora più ostile e crudele della sua inutile vita. Una morte che sembra non liberarla dalle sofferenze già subite. Cerca come una disperata delle sigarette, qualcuno con cui parlare, si tocca il corpo, un prurito insopportabile, nemmeno la morte le porta sollievo.

Alcuni elementi diventano personaggi importanti nella disperazione di Sarah: 4 fogli gialli a terra che portano i segni della vita della protagonista, con cui interagisce in maniera convulsiva, delle voci fuori campo registrate di persone che avrebbero dovuto amare Sarah e che non l’hanno mai fatto, una crepa sul muro e uno scarafaggio.
Il dialogo-monologo con la crepa è uno dei momenti più emozionanti e commoventi dello spettacolo. Una fessura sul muro, incapace di rispondere alla protagonista, silente come tutte le risposte non avute durante la vita. Una crepa forse meno sola della stessa protagonista.
E poi lo scarafaggio che provoca ribrezzo nella ragazza ma che poi diventa il suo unico amico, immaginando l’arrampicarsi del suo corpo sulle sule gambe come una dolce e unica carezza.
Tanta emozione e commozione tra il pubblico, lacrime nei volti di molti che per alcuni attimi si sono immedesimati nella sofferenza di Sarah. Perché ognuno di noi almeno una volta nella vita ha sicuramente vissuto il disagio, l’abbandono e la necessità di essere amato senza essere corrisposto.

La stessa Alice Sgroi nei saluti finali è apparsa commossa e in lacrime, forse tensione, sfogo, gioia, empatia con Sarah? Una cosa è giunta in sala: Sarah Kane era finalmente libera.

​Il 18, 25 e 26 maggio al Zo centro culture contemporanee si è svolto  il Cirque de Printemps il Festival di Circo Contemporaneo. Un evento che ha permesso a diversi "Clown attuali" di esibirsi, divertendo adulti e bambini. 3 giorni dedicati alle arti circensi moderne.
Nella programmazione ed artisti anche lo spettacolo de "Los 4 cobre". Un gruppo di attori consolidato che già da tempo interpreta i panni dei 4 simpatici personaggi".
Lo spettacolo  ha accompagnato un pubblico di tutte le età  in una atmosfera a metà strada tra il reale e la fiaba. Personaggi che sembrano uscire da un vero cartone animato, attraverso la mimica, gestualità, l'arte del clown ed il linguaggio delle maschere  portano lo spettatore a riflettere su un tema molto attuale e importante: l'uso  spropositato ed esagerato delle nuove tecnologie. E' uno spettacolo che prende vita da un esperimento un po' folle e azzardato, come del resto folli sono i protagonisti di questo progetto.  E' uno spettacolo in cui il linguaggio delle maschere e il teatro fisico, del clown e della comicità visuale si combinano tra di loro. Il vero punto d'incontro è la vena comica, lo scopo di fare ridere in modo semplice, naturale, genuino e senza volgarità. Ciò che colpisce in questo spettacolo è la totale assenza della parola, il gioco inizia con l'indossare una maschera con un carattere ben preciso. . . L'uso di queste maschere, bellissime e particolari, che in qualche modo riprendono i caratteri e la fisionomia degli attori in scena, hanno stimolato i creatori del progetto in questo montaggio atipico e un po’ folle. Si tratta infatti di un susseguirsi di quadri che rappresentano una parte importante e discussa della società che si trova disorientata e deviata da una forte tempesta mediatica, dove la maggior parte del tempo e delle giornate vengono spesi nell’utilizzo della rete, social e compiuter con una conseguente modifica nelle relazioni, negli affetti e nei comportamenti.
I nostri quattro bravissimi attori sono: Dandy Danno e Diva G, nomi d'arte di un duo di  notevoli artisti, (lei del sud, lui del nord) che hanno dato vita  al Theatre De Garte e ideato questo ambizioso progetto; a loro si sono aggiunte Floriana Sabato ed un'altra attrice, entrambe ennese. Grande energia e sinergia di gruppo, affiatati  e divertenti. 

Los 4 Cobre raccontano la vita di una famiglia che ha perso la sua identità, persi nel mondo virtuale dal quale a fatica riescono ad allontanarsi. Solo durante l’intervento fantasioso e grottesco del padre si di staccano per dedicarsi  a semplici attività che di ventano però sane soluzioni alla loro condizione di noia e dipendenza dalla rete. 

Uno spettacolo comico ma con una morale ben precisa, con una profondità di fondo che porta lo spettatore a riflettere sulla bellezza delle vita fuori dagli schermi e cellulari.
Un montaggio teatrale e regia incalzante dal ritmo veloce ma non frenetico che rispetta le pause ed i tempi propri del teatro comico e mimico.

I costumi e le maschere colorate e buffe catturano l'attenzione, riempendo di allegria e brio una scenografia semplice, minimalista, totalmente blu ma che si lega bene al mondo fiabesco e circense della famiglia.
Grande coinvolgimento del pubblico in diversi momenti dello spettacolo  che diventa protagonista di alcuni siparietti comici. 
Il saluto finale con effetti scenografici a sorpresa rendono in definitiva Los 4 cobre uno spettacolo piacevole, innovativo e divertente adatto a tutta la famiglia.

Come nasce l'idea
Il progetto nasce nel 2017 , quando la compagnia Theatre Degart si trova in Spagna e incontra la compagnia tedesco- venezuelana Teatro Strappato. L ’idea parte dal la volontà del duo italiano di fondere l ’arte della maschera con la visual comedy, un progetto ambizioso che stuzzica il gruppo di Teatro Strappato, molto impegnato nel teatro politico. Nell ’estate 201 7  vincono una residenza artistica nel Parco del Gran Paradiso per stendere una prima bozza del progetto, dove il duo italiano ( Theatre Degart) si impegna di creare, scrivere e montare lo spettacolo, mentre il duo multietnico si impegna alla costruzione delle maschere e dei movimenti scenici. Il progetto debutta a fine 2017  in Italia, poi comincia a girare, ma viene stoppato tutto,  per incompatibilità di impegni tra le 2 compagnie. L ’intervento di Walter Amorelli però cambia il corso di questa storia, è lui a credere in questo progetto più di chiunque altro e si impegna in modo travolgente a rimettere in piedi lo spettacolo. Il  suo entusiasmo scombina i piani delle due compagnie, ma dà la svolta e la miccia per accendere una sfida che sembrava ferma. L ’ idea trova una casa, trova un punto per ripartire e Theatre Degart compra i diritti completi del lo spettacolo, costruendo costumi ed effetti scenici, rimodulando lo spettacolo in versione più comica e più diretta al pubblico, appoggiandosi anche alla professionalità dell'azienda Show Concept che ne cura l ’aspetto illuminotecnico. Amorelli così  rimodella anche la formazione che, partendo dalle basi del duo italiano, inserisce 2 attrici ennesi in una sfida ancora più grande. Grazie al partenariato con “la casa di Giufà “ e  il Comune di Enna , i “los 4 Cobre” ritornano a divertire il  pubblico, a travolgere e far capire che la follia positiva è solo un ’ immenso stato creativo !

Al Piccolo Teatro della Città di Catania  è andata in scena il 26 e 31 marzo "La scortecata" di Emma Dante. Prodotto dal Teatro Biondo di Palermo/Festival di Spoleto 60, in collaborazione con Atto Unico/ Compagnia Sud Costa Occidentale.

La performance è stata perfetta, lo stile di Emma Dante inconfondibile, la sua originalità, estro, sarcasmo, umor nero, surrealismo e voglia di stupire non sono mancati. Una costruzione mai banale e pungente ha retto l'intero testo. Una sceneggiatura ricca di significati, due attori bravissimi e un allestimento scenografico semplice ma di impatto hanno reso uno spettacolo piacevole, riscuotendo durante la prima un lungo applauso finale di  ben 5 minuti.

Il pubblico è rimasto inchiodato alla poltrona, uno spettacolo che ha divertito, incuriosito, fatto meditare ed in alcuni momenti angosciato per le forti suggestioni in scena.  Una favola moderna dalle tinte agrodolci, i protagonisti invitano a riflettere sulla vanità dell'essere umano, sulla voglia di apparire più che essere in una società che quasi lo impone. I due attori: Salvatore D’Onofrio e Carmine Maringola,  ci catapultano in una dimensione quasi surreale, il linguaggio è quello di un napoletano antico, mimica e gestualità  sono enfatizzate e molto potenti, ricordando in alcuni momenti la commedia dell'arte. Due uomini che interpretano due anziane donne alle prese con la loro vecchiaia e la loro carne flaccida e non più soda che vorrebbero scorticare, eliminare per ritrovare la giovinezza perduta.
Il testo è stato tratto  da un racconto  contenuto in "Lo cunto de li cunti" di Gianbattista Basile. 
Lo spettacolo si è aperto con una scenografia costruita su un palcoscenico nero e minimalista, una piccolo castello giocattolo in mezzo, due seggioline pieghevoli di legno, un baule sul sfondo ricoperto da un lenzuolo bianco e i due bravissimi interpreti seduti sulle due postazioni . Entrambi sono intenti con forza e prepotenza a risucchiarsi il mignolo della mano, un gesto spasmodico e ripetitivo, quasi convulsivo che diventa un ritmo sempre più intenso che fa da filo conduttore alla storia. Un dito che deve essere ben scorticato e liscio come quello di una giovane donna.  Le due "donne" ripropongono la storia  di Rusinella e Carolina ed il re.

I due protagonisti drammatizzano la fiaba, interpretando le due vecchie e il re con una regia dinamica, gioco di  oggetti in scena, vestiti e tessuti in movimento e con l'ausilio di musiche originali e rivisitazioni di vecchi pezzi della tradizione napoletana (Reginella, Mambo italiano).  Le due donne "raccontano" la storia ma il finale non è felice e da favola, una delle due chiede all'altra di scorticarla per eliminare la vecchiaia.  La piece da un tono più umoristico e divertente, in cui le due anziane si prendono in giro e punzecchiano  a vicenda, diventa più cupo e tragico sul finale. L'ultima scena forse la più suggestiva e interessante appare quasi come un quadro di Caravaggio. Un'immagine violenta, cruenta, in cui la voglia di apparire belle e giovani a tutti i costi andando contro il tempo e di segni dell'invecchiamento prende la scena; cuore e messaggio della storia, che coinvolge e colpisce l'attenzione del pubblico. Due corpi seminudi sullo sfondo della scena come due personaggi di Caravaggio chiudono il sipario.

Giovedì 28 marzo al Teatro Garibaldi di Enna va in scena "Didone, Didon now"  scritto dalla drammaturga Lina Prosa e diretto da Andrea Saitta. L'attrice che interpreta la protagonista "Didone" è Elisa Di Dio. Sfida importante per l'artista che riveste i panni di una figura femminile complessa e dal destino difficile; la prima regina di Cartagine, una donna forte e impavida, che senza timore sfida i pericolo del mare e del deserto.  In scena insieme all'attrice anche il danzatore e acrobata Giorgio Cannata, che attraverso i movimenti del corpo e la fluidità della danza racconta i viaggi di Enea, fra presunte volontà di dei, smarrimenti amorosi e inganni della coscienza.

Stasera al termine dello spettacolo, la drammaturga siciliana Lina Prosa incontrerà gli spettatori per un piacevole confronto e dibattito a cui parteciperà tutta la compagnia. 
Lo spettacolo si inserisce all'interno del Cromosoma Teatro Festival Sicilia, la sezione dedicata alla scena contemporanea della stagione, organizzata e firmata dal direttore artistico Mario Incudine.

La Didone di Lina Prosa rappresenta sicuramente quel tipo di donna attuale, forte e coraggiosa,  che combatte per la propria terra, per la giustizia e per l'integrità.  Una donna che però come spesso accade, sarà vittima e sofferente per una passione impossibile. Didone, una figura femminile giusta per raccontare questo tempo apatico e insieme crudele, dei giorni nostri. 

È una donna "viaggiatrice e regina"  che non teme il suo destino, capace di immaginare una città politicamente corretta, potente, forte. Una donna intelligente, astuta e capace di comandare. Didone è un animale politico,  alla quale non sfuggono i problemi del suo popolo e della sua terra. Fa di tutto per  essere una brava condottiera e  figura di potere ma l'amore, una passione viscerale e potente, la rapisce e travolge, gettandola  in un continuo stato di  perdita del senso del dovere e di integrità.

Didone è una donna completa e forte ma non potrà esimersi  dai sentimenti della sfera personale che da sempre e per sempre contraddistinguono l'immenso e complicato universo femminile, soprattutto delle donne come lei:  impavide, coraggiose, regine  ma anche "folli", pazze, ingenue. 
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​Le scene e i costumi sono di Luca Manuli, mentre le musiche sono di Michele Di Leonardo.

DIDONE – DIDON NOW
di Lina Prosa
regia Andrea Saitta
con Elisa Di Dio e Giorgio Cannata
scena e costumi Luca Manuli
musiche Michele Di Leonardo
Produzione: Compagnia dell'Arpa

Debutta stasera al Cine Teatro GriVi di Enna e domani al Palagiovanni di Barrafranca a "Passo di Valzer", il nuovo lavoro teatrale della compagnia Amici del Teatro di Enna. La piéce teatrale, adattamento e regia sono di Vittorio Vaccaro, attore e regista xibetano, da anni attivo professionalmente al nord d'Italia.

Il punto di partenza  e fonte d'ispirazione è stato Cechov. Si tratta infatti di un atto unico che mette insieme 3 commedie del famoso drammaturgo russo: tre "Scherzi d'amor comico" (L'Orso, Una natura enigmatica, la corista). Come ben si evince dal titolo si tratta di una danza, di un movimento, di una forza vitale che pervade l'anima dei tre racconti, è questa spinta che dall'inizio alla fine aleggia nello spettacolo è "l'amore". Fil rouge che da un'atmosfera più ludica e divertente della prima commedia ci farà viaggiare attraverso momenti più noir, come quelli del secondo racconto, fino ai sentimenti e cuore più cechoviani e drammatica.

La scenografia è un elemento molto importante e parte integrante della narrazione. Ogni elemento diventa personaggio, con una voce  e qualcosa da comunicare.
La musica rende l'intera atmosfera ancora più compatta e armonica.
Un cast di attori che si uniscono con la voglia di mettere in scena qualcosa che andasse aldilà del loro classico repertorio teatrale fatto di autori siciliani e italiani. Vaccaro punta quindi nel portare la drammaturgia straniera in una compagnia che accetta la sfida del nuovo.

In scena: Carlo Greca, fondatore della compagnia, Elia Nicosia, Floriana Maria Sabato e l'attrice campana Tiziana D'Angelo. Lo spirito, il brio e l'energia dell'anima "napoletana" rende la commedia ancora più esilarante e coinvolgente.
La produzione di "A passo di Valzer" si avvale  delle scenografie di Paolo Previti, dei trucchi di Lely Mazone, dei costumi di Cettina Cantalupo.
Il Direttore di scena è Pietro Valenti, assistente alla regia  Floriana Maria Sabato. La MT di Marco Tumminelli cura luci e audio, Nicola Campisi riprese video. L'organizzazione generale è a cura di Walter Amorelli.

Gli utili dello spettacolo saranno devoluti ai bisognosi e poveri della città. L'aspetto sociale e solidale rende ancora più nobile "l'atto teatrale" della compagnia dando quell'impronta di condivisione e del darsi che sono propri dell'arte teatrale.

Abbiamo chiesto al regista Vittorio Vaccaro alcune curiosità della commedia.

Raccontami dal tuo punto di vista l'opera e il lavoro che hai fatto per arrivare a " A passo di Valzer"
Sono tre atti unici di Cechov, tre quadri diversi, riadattati in unico atto di un' 1 e 10, è un percorso sulla commedia del drammaturgo.

Da dove nasce l'idea?
L'idea è nata dalla compagnia, da un pezzo l'Orso, invece di fare solo questo ho pensato di raccontare altre commedie tratte dall'Amor comico che potessero mostrare un Cechov inusuale, si conosce altro di lui, abbiamo voluto narrare un lato più ironico ma anche profondo.

Mi puoi definire dal tuo punto di vista i tre atti, come li vedi tu?
Il primo è  più barocco, più rumoroso, ritmo elevato, commedia pura, il secondo noir, più malinconico, più vecchio stile, un bianco e nero e il terzo è più asciutto, minimalista, tempi più stretti, più drammatico, più cechoviano.

Qual è lo stile che utilizzi nello spettacolo e che tipo di lavoro hai fatto sul palco?
Ho lavorato  sullo spazio, profondità, pulizia della messa in scena, diagonali e pulizia dell'attore in scena.

Qual è il tuo rapporto con gli attori in generale?
Essendo attore, lavoro molto sull'attore, parliamo la stessa lingua, quindi mi piace avere un rapporto vicino, gli attori devono fare teatro,  mi piace sapere le difficoltà ma anche le potenzialità di un attore,  mi permetto di andare oltre perchè so cosa c'è dietro. Un attore non deve raccontare il teatro, lo deve fare, deve agire e noi come pubblico ci facciamo il nostro teatro, il nostro "film".

Quanto sono importanti le scenografie in questo spettacolo?
Nello spettacolo le scenografie prendono vita, diventano motore di un cambiamento continuo, un continuo trasformarsi, vedrete valigie e specchi che indicano un divenire continuo. Per gli attori sono parte di loro, le muovono con loro, le valigie diventano tutto, parte del racconto. C'è dinamismo pulito, grande confusione ma con molta chiarezza.

In quanto tempo avete lavorato alla messa in scena?
Opera costruita in 21 giorni che debutta il 21  a Enna.

 Quale sarà il futuro dell'opera? la vederemo in scena in altri teatri?
Spero di si, la produzione deciderà sul futuro della commedia. Potrebbe essere un ottimo spettacolo anche per il periodo estivo in spazi all'aperto. vedremo....

Se William Shakespeare fosse ancora vivo chissà cosa penserebbe nel sentire parlare Romeo e Giulietta in siciliano e vederli innamorarsi tra i quartieri più ruspanti di Catania "vestiti a festa" con lustrini, paillettes e borchie?
Non potremo mai saperlo, forse si divertirebbe, non capirebbe nulla o probabilmente si commuoverebbe di fronte all'amore tormentato dei suoi personaggi catapultati nel ventunesimo secolo.

Una cosa però in questi giorni è successa. Dal 8 al 10 febbraio al Centro Zo di Catania è andato in scena "Romeo Q Giulietta", in cui il pubblico ha potuto rivivere questa famosa storia d'amore ambientata proprio tra le strade catanesi. Un ambizioso e coraggioso progetto teatrale ben realizzato dal Teatro Mobile di Catania. Riadattare, rivedere e rivisitare Skakespeare è sicuramente un 'operazione delicata, complessa e una bella sfida.
C'è riuscita Francesca Ferro attrice e regista della rappresentazione e Alessio Patti che si è occupato della traslazione in lingua siciliana.

Il capolavoro di William Shakespeare, la storia d’amore più famosa al mondo e conosciuta da tutte le classi sociali ha divertito ed emozionato gli spettatori con un sold out che si è ripetuto per tutte le sere. Momenti più leggeri, divertenti e tipicamente "siciliani" si sono alternati a  dialoghi  molto emozionanti e toccanti.
Le scene corali in cui tutta la compagnia è stata presente sono state caratterizzate dai colori dei costumi curati da Giusi Gizzo, che hanno fatto sorridere, un agglomerato di gusti e mode più trash e popolari dei quartieri più caldi catanesi. Un uso del dialetto acceso, modi di dire propri di un linguaggio più popolare e ruvido.

I personaggi di questo adattamento vivono una città senza leggi e regole, i cui la delinquenza e la legge del più forte comandano; in cui i conti fra i due gruppi avversi:  Capuleti e Montecchi "siciliani" sono decisi dal potere criminale  che organizza la vita e la morte di tutti. 

Una chiave di lettura moderna, in cui la storìa d'amore skakespeariana non perde il suo romanticismo e tragicità originale.
Molto d'impatto i dialoghi tra Romeo e Giulietta ben interpretati da i due attori.  Bravo Giovanni Maugeri, che ha rivestito i panni di un  Romeo un po' goffo, sempliciotto ragazzo di quartiere innamorato della sua Giulietta, interpretata con forza, passione e carattere dalla giovane  Maria Chiara Pappalardo, un'interpretazione apprezzata anche per la sua verve ironica e spregiudicata. Una Giulietta  con le calze a rete e abito succinto dal carattere determinato e diretto.

Il cast è stato composto da eccellenti attori siciliani: Giovanni Arezzo, Francesco Maria Attardi, Verdiana Barbagallo, Dany Break, Fabio Costanzo, Domenico Gennaro, Mansour Gueye, Loredana Marino, Giovanni Maugeri, Mario Opinato, Maria Chiara Pappalardo, Pasquale Platania, Teresa Spina e Renny Zapato, insieme alla straordinaria partecipazione di Guia Jelo.

Particolare attenzione meritano Mario Opinato nei panni di un Mercuzio amico di Romeo, tossico e allucinato, frivolo e leggero in maglietta luccicante e cappotto maculato. Un'interpretazione convincente, coinvolgente e d'impatto, con una grande presenza scenica.
Sempre sorprendente e ricercata l'interpretazione di Guia Jelo che con la sua partecipazione straordinaria ha reso bene l’atteggiamento del capo del quartiere. La regina "mafiosa" del suo territorio. Passando da un registro più ironico e popolare a quello più profondo e toccante, Guia Jelo ha regalato al pubblico sorrisi e momenti di emozione. 

Una note di attenzione va a Fabio Costanzo che ha dato voce e corpo  alla attenta e premurosa  nutrice di Giulietta. Una figura resa in maniera originale, frivola e giocosa ma nello stesso tempo con toni drammatici e prepotenti.

Rimane impresso anche il ruolo di frate Lorenzo, interpretato da Pasquale Platania, che più volte ha preso possesso della scena arrivando alla guida di un motorino elettrico, cercando di mettere pace tra i due innamorati.
Hanno partecipato alla messa in scena anche gli studenti dell'Accademia Cams Sudio..

La musica è un altro elemento importante che ha accompagnato la rappresentazione teatrale creando un clima in cui diverse atmosfere si sono scambiate  e inseguite.  In cui la passione e il fuoco dell'amore impossibile  si sono alternati con momenti di alta commozione, di guerra fra poveri e di forte tensione. La parte musicale è stata curata da Massimiliano Pace.

 
Continua la stagione teatrale “InAltroMare” al Regina Margherita di Caltanissetta, curata da Aldo Rapè.
Venerdì 1 febbraio gli spettatori potranno divertirsi e riflettere con lo spettacolo di prosa "New Magic People Show".

E’ una commedia  del 2007 tratta dal romanzo di Giuseppe Montesano e curata drammaturgicamente dallo stesso autore. Nell’opera teatrale, lo scrittore ha raccontato il popolo televisivo, il consumatore globale, l’uomo medio, colui che è vittima della pubblicità. Quattro gli attori protagonisti: Enrico Ianniello, Tony Laudadio, Andrea Renzi e Luciano Saltarelli; artisti di notevole bravura, capaci di travolgere il pubblico in una serie di situazione tragicomiche dei nostri giorni.

Dieci anni dopo Montesano propone una nuova versione di quel comico, feroce e colorito avanspettacolo pop. Vedremo ridicoli “uomini” drogati dal sogno del denaro, prigionieri illusi di essere liberi, gaudenti che hanno seppellito la passione e l’amore.  Assisteremo a un nuovo capitolo del tragicomico romanzo teatrale sull’Italia malata di questi ultimi anni. Prepariamoci a tanto divertimento, ma anche ad una profonda riflessione sui cambiamenti all’interno della nostra società.
New Magic People Show è una prosa/commedia prodotta da Teatri Uniti di Napoli, gli elementi scenici sono curati da Underworld e i costumi sono stati creati da Ortensia De Francesco.

Lo spettacolo sarà preceduto da un altro evento, spostato in programma a giorno 1 febbraio: la proiezione del documentario “Il Teatro a lavoro” diretto e interpretato da Tony Servillo.

INFORMAZIONI
Botteghino: tel. 0934.547034, 0934.74703, 0934.74703 lunedì/mercoledì/venerdì 9.30-12.30
Email ufficio.cultura@comune.caltanissetta.it

 
Al teatro Regina Margherita di Caltanissetta il 10 dicembre 2018 si è alzato il sipario per la stagione teatrale 2018-2019 intitolata “InAltroMare”. Una scelta interessante è che appare contraddittoria in relazione alla posizione della città nissena incastonata tra valli e montagne. In realtà il significato è molto più profondo e legato ad altro, un altro che il Direttore artistico Aldo Rapè ci ha spiegato in una piacevole intervista.

Aldo Rapè oltre ad occuparsi della programmazione e direzione di “InAltroMare” è da anni regista, autore, attore teatrale e cinematografico. Amante ed appassionato del teatro si occupa da tempo, in qualità di docente e organizzatore, di laboratori teatrali dando spazio a giovani promesse e curiosi dell’arte della recitazione. Nisseno di origine vive da anni a Napoli.
La stagione teatrale prevede un ricco calendario fatto di opere e performance diverse.
Grazie alle parole di Aldo Rapè abbiamo potuto capire meglio quello che vedremo sul palco del Teatro  Regina Margherita.
 

Raccontaci la tua programmazione, come è nata e come hai strutturato questa nuova stagione teatrale?
Quest’anno abbiamo lavorato su spettacoli trasversali. Ho un’idea di teatro più internazionale, per questo ho preferito scegliere diversi generi, di diverso respiro… quindi  lavorare sulla prosa, prettamente italiana, ma anche includere spettacoli come la commedia dell’arte, il teatro danza, spettacoli preformativi e di figura.
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Un programma molto variegato quindi?
Si spettacoli diversi, di diverso genere. Un programma variegato: nuova drammaturgia, il teatro contemporaneo, il teatro canzone. Inoltre quest’anno abbiamo inserito la stagione concertistica e in più ho dato spazio alle realtà del territorio.

Le compagnie scelte da dove provengono?
Sono compagnie nazionali e internazionali: alcune provengono dalla Francia e dalla Svizzera.

Qual è il filo conduttore, il fil rouge che lega la programmazione?
La ricerca e il viaggiare “InAltromare. Titolo della stagione. Il tema è la diversità e l’accoglienza e l’accoglienza della diversità che è solo ricchezza. Infatti il simbolo scelto per la stagione, provocatorio in una città di collina, è una barca; perché viaggiare “Inaltromare” anche trasportati dai venti. Le stagioni hanno i nomi dei venti: libeccio e maestrale, venti che battono sul Mediterraneo. Il messaggio che vogliamo lanciare è proprio quello di una Caltanissetta come città che vuole viaggiare, vuole guardare altrove, senza paura di confrontarsi.
 
 La diversità si può unificare in nome del teatro?
Si. è proprio questo il messaggio, infatti Le 11 proposte sono tutte diverse tra loro, unificandole è sicuramente un rischio, far vedere cose differenti al pubblico è un azzardare ma se si vuole viaggiare in "altro mare" bisogna rischiare.

E’ un’idea bellissima di teatro e di apertura alla diversità: la barca, I venti, il titolo della stagione e la scelta di opere di diverso genere, ma oltre questo c’è un altro elemento che concluderà la stagione  teatrale di InAltroMare: lo spettacolo  di fine corso del tuo nuovo laboratorio teatrale :”Le belle addormentate”, puoi parlarci di questo evento?

Ogni anno faccio un laboratorio, quest’anno in occasione del centenario dell'opera “La bella addormentata” del 1919  di Pier Maria Rosso parlerò delle “Belle addormentate”, un progetto tratto quindi da questa storia. Uno studio delle donne o meglio studio delle donne e città, perché vorrei che la nostra storia fosse ambientata a Caltanissetta, come città che “dorme”. Non in senso negativo ma nel senso che bisogna risvegliarsi, dare spazio alle nostre idee, tante volte infatti  i sogni che abbiamo dentro non vengono fuori, il teatro aiuta a sognare a dare vita al nostro interiore.

Il corso è riservato solo alle donne?
E’ riservato non solo a donne e inoltre aperto ad autori e auditori oltre che attori. Glia autori avranno la possibilità di scrivere per lo spettacolo e lavorare con gli attori sotto la mia guida e di altri docenti. Possono partecipare tutti dai 16 in su.

Ci sarà un lavoro introspettivo sulla spiritualità delle donne?
E’ un corso di gruppo, di lavoro personale, di introspezione e lavoro sul femminile, sulla parte femminile che ognuno di noi ha.

Il corso è finalizzato ad uno spettacolo finale?
Si certo dove gli autori e attori si esibiranno.

A livello pratico come si strutturerà il corso?
Corsi pratici, con esercitazioni e attività ludiche. Sarà affiancato da docenti esterni titolati di scuole nazionali di teatro. Quest’anno preferirei che fossero tutte donne.
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È la prima volta che fai questo laboratorio?
Si proprio in occasione del centenario ho pensato a questo corso. E vorrei chiudere la stagione con questo evento spettacolo.
 
Una stagione ricca di emozioni e di tanta qualità, sperando che il pubblico si avvicini sempre di più ad una forma d’arte, quella del teatro, tra le più antiche e nobili che da sempre ci porta in affascinanti e lontani scenari.

Arriva al Teatro Biondo il 20 dicembre alle ore 21 (unica data) "In stato di grazia" che porterà per la prima volta fuori dalle mura del carcere lo spettacolo delle detenute-attrici della Compagnia Oltremura, diretta da Claudia Calcagnile.

Liberamente ispirato a "La lunga vita di Marianna Ucrìa" di Dacia Maraini, "In stato di grazia" è il terzo spettacolo della compagnia Oltremura che dal 2015 ha come obiettivo quello di rendere il carcere luogo di cultura e di produzione teatrale. Da oltre tre anni l’associazione Mosaico realizza un laboratorio di teatro permanente con circa ottanta donne di diverse nazionalità ed età, detenute della sezione femminile della Casa Circondariale Antonio Lo Russo Pagliarelli di Palermo.
Il laboratorio teatrale creato da Mosaico ha dato così vita ad una compagnia "Oltre il carcere", dal 2016 realizza spettacoli autoprodotti che vengono rappresentati all’interno dell’Istituto Penitenziario  suddetto e presso il Teatro Stabile Biondo di Palermo.
Il primo spettacolo di Oltremura, del 2016, liberamente ispirato a Donne che corrono coi lupi di Clarissa Pinkola Estès, fonde realtà e finzione scenica per raccontare storie di rinascita, di ricerca d’identità e di riscoperta della femminilità. 

​Raccolta fondi
In vista del debutto dello spettacolo in uno dei più importanti teatri della città è partita la raccolta fondi per sostenere i costi di produzione dello spettacolo e a dare continuità al progetto portato avanti da oltre tre anni dall’associazione e dalla compagnia. 
Lo scorso ottobre, Oltremura ha portato in scena in anteprima nel teatro del carcere lo spettacolo In stato di grazia, destando una grande curiosità tra il pubblico oltre che una grande partecipazione. 
La campagna di raccolta fondi, attiva fino al 31 dicembre , servirà a supportare il percorso della compagnia, affidato interamente alla volontaria disponibilità dei componenti del gruppo Mosaico, che spendono tempo ed energie nel progetto a titolo gratuito, visto che, ad oggi, le uniche risorse economiche sulle quali abbiamo potuto contare sono donazioni di privati e piccole campagne di autofinanziamento.
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​Il teatro e il carcere
Il salto dal teatro di un carcere ad un Teatro aperto alla città ha bisogno di essere sostenuto non solo dal pubblico curioso di conoscere un linguaggio così inedito, ma anche da chi vorrebbe sostenere la nostra convinzione: crediamo fortemente nella possibilità che le donne impegnate nei nostri laboratori possano dare un importante contributo al mondo del teatro. Le detenute della Compagnia non hanno tutte quelle sovrastrutture e tecnicismi degli attori, così portano in scena l’autenticità delle loro vite, complicate e difficili, con una potenza davvero straordinaria. Le protagoniste hanno trovato nel teatro un nuovo modo per esprimere sé stesse e dare un nuovo significato allo spazio che le circonda. La loro capacità di essere completamente sé stesse è l’aspetto più interessante del progetto.

SINOSSI di "In stato di grazia"
Volti, corpi, storie e stralci di poesia si fondono in un'unica voce che in silenzio precipita buia, senza quiete, verso un matrimonio che si deve celebrare.
Marianna, madre che piange la morte del figlio, moglie che cerca la via di fuga dalla costrizione, rincorre il tentativo di andare oltre se stessa, di sentirsi altrove, per poi trovarsi nuovamente immutata, dissimile, replicabile, come carta ricalcabile. Le performer in scena non recitano, ma incarnano le qualità di Marianna fino a rimandare al pubblico l'interrogativo di una soluzione. 
Difficile dire dove finisce la vita di Marianna e comincia l'autobiografia delle attrici di quest’opera che è al tempo stesso momento di verità e riflessione sulla loro condizione.

COMPAGNIA OLTREMURA
regia: Claudia Calcagnile
assistente alla regia: Francesco Paolo Catalano
aiuto regia: Lidia Papotto
scene: Giuseppe Accardo 
realizzazione scenografrica: Giuseppe Accardo e Edizioni Precarie
elaborazione sonora: Gaia Quirini
disegno luci: Gabriele Circo
costumi e trucco: Concetta Chillemi e Patty Owens
collaborazione artistica: Nunzia Lo Presti, Carla Munnia, Gabriella D'Anci
grafica: Sonja Burgi
ufficio stampa e comunicazione: Maghweb
immagine: Francesco Paolo Catalano

Oltremura e il suo teatro
La Compagnia Oltremura vive e realizza il suo lavoro in continua relazione con i limiti, quelli architettonici della struttura di detenzione e quelli individuali di ciascun essere umano. Il continuo scontro con questi limiti è ciò che muove il lavoro di ricerca, che mette al centro della scena la persona e non il personaggio. Il carcere rappresenta per per la compagnia il luogo capace di rinnovare il linguaggio e di restituire al teatro la sua necessità.  Questo costante lavoro porta a riscoprire ogni volta la funzione originaria del teatro, che si nutre di ciò che accade nella vita. 

Associazione Mosaico
Dal 2012 l’Associazione Mosaico promuove e realizza attività di carattere educativo, formativo, culturale e artistico per contrastare il disagio e la marginalità sociale. In ambito formativo, collabora con il Polo Mediterraneo delle Arti Terapie e delle Discipline Olistiche - Artedo. Ha realizzato laboratori e spettacoli teatrali, tra gli altri, con il servizio di psichiatria del Policlinico di Palermo, nei cantieri Culturali della Zisa, con l’Assessorato alla Cultura del Comune di Milazzo e con la Cooperativa Utopia. Dal 2015 inizia la collaborazione con l’Istituto Penitenziario Antonio Lorusso Pagliarelli di Palermo e da allora le sue attività si sono focalizzate esclusivamente sulla creazione e sul consolidamento della Compagnia Oltremura. Il teatro di Oltremura sta riscuotendo interesse sempre maggiore da parte della comunità esterna e vanta del sostegno, tra gli altri, dell’Università degli Studi di Palermo, del Teatro Biondo, del Comune di Palermo e di Dacia Maraini.

Qui il link per acquistare i biglietti on line, ma è possibile prenderli anche al botteghino del Teatro Biondo: www.vivaticket.it/ita/event/in-stato-di-grazia/123656